TEORIAS DEL DISEÑO Y OTROS

Apreciaciones sobre la Historia del Diseño

En la historia del diseño, ha sido fuente de diversas pugnas y tendencias la disyuntiva de diseñar a partir de la función de un objeto o del valor expresivo que este puede poseer. La orientacion de escuelas superiores de diseño, como la Bauhaus o la Escuela Superior de Diseño de Ulm, marcada por el funcionalismo (que es la expresión de la concepción de un modo de vida basado en la economía, es decir, en el empleo racional de los medios disponibles para fines determinados), se ve contrastada con el modo de diseñar del styling (estilización del objeto, en los años 20’ y 30’) y el Nuevo Diseño (orientado a la expresión individual del espíritu de los años 70’ y 80’)

La Bauhaus en Dessau, 1925.

La Bauhaus y la Escuela Superior de Diseño de Ulm, basan su orientación metodológica a partir del racionalismo, el cual se origina en el método de análisis del filósofo René Descartes (padre del racionalismo) Su visión de que todo hecho complejo debía poder explorarse y entenderse mediante el análisis, la intuición y la deducción, siempre que se descomponga en sus partes y se reduzca a sus elementos básicos, se extendió durante el siglo XIX siendo demostrados claramente en la vida práctica a través de la industrialización. Cada fábrica se convirtió en un organismo que efectuaba la descomposición y la unión de forma automática.

Las vanguardias artísticas de los años 10’ y 20’ ven en la devastación dejada por la Primera Guerra Mundial, una oportunidad para crear un nuevo modo de vida, ya no arraigado a los estilos del pasado, sino orientado a transformar el entorno por medio de la aplicación y uso del arte a los objetos cotidianos. Cuando el arte ya no se encuentra ligado a la representación y la sociedad mira a la máquina con admiración considerándola símbolo y motor del progreso, capaz de dominar la naturaleza, es cuando los artistas de la vanguardia ven en la unión del arte con la industria la posibilidad de crear un nuevo entorno material y espiritual, y con ello un nuevo paradigma de civilización. El desarrollo del pensamiento racional en el arte se observa en la creación de un vocabulario formal geométrico y austero, que es comunicado a la población por medio del diseño de objetos de uso cotidiano.

La Escuela de la Bauhaus, en Alemania (1919-1933), orientaba a sus alumnos a la creación de productos que tuvieran un alto grado de funcionalidad, que cumplieran las exigencias de la producción industrial, que fueran asequibles y respondieran a las necesidades de la sociedad de la época. Se analizó teórica y prácticamente el concepto de función. Los talleres que dictaban contaban con dos profesores: un artista, quien les enseñaba aspectos formales; y un artesano, que les enseñaba de fabricación o medios de producción. Los artístas que dictaban los talleres provenían de las vanguardias de los años 10’ y 20’. El alumno trabajaba en las clases por el metodo de la experimentación y descubrimiento personal. Esta metodología tiene su origen en el científico matemático Leibniz, para quien el pensamiento científico debía verificarse en la relación recíproca entre hallazgo (investigación, descubrimiento) y demostración. Desarrolla el método de arte de la invención que tenía sus bases en el descubrimiento, la certeza y la demostración. Para Leibniz el cálculo era equivalente al pensamiento e interesado en los procedimientos combinatorios hizo aportaciones para el perfeccionamiento de la lógica matemática. Esta metodología y sus investigaciones se aplicarían más tarde en la Escuela Superior de Diseño de Ulm.

A pesar de la labor realizada, los diseños de la Bauhaus no tuvieron éxito en términos de influencia social, salvo en aquellos compradores que pertenecían a los circulosintelectuales.

Años más tarde, tras la Segunda Guerra Mundial, Alemania emprende la reconstrucción de su nación y el levantamiento económico gracias al desarrollo de la educación y la producción, donde el diseño industrial jugó un rol muy importante. En 1955 se funda la Hochschule für Gestaltung o Escuela Superior de Diseño en la ciudad de Ulm. Inicialmente pretendía continuar con el legado de la Bauhaus, bajo la dirección de Max Bill, con la aproximación al diseño a partir de la intuición y descubrimiento exploratorio, y con la valoración de la creación individual y artística. Sin embargo, en 1956, cuando asume la dirección Tomás Maldonado, se deja atrás la orientación de la Bauhaus para incorporar nuevas disciplinas científicas y técnicas, como la ergonomía, física, politología, psicología, semiótica, sociología, teoría de la ciencia, biónica en el programa de estudios. De este modo se situaba la tradición del racionalismo alemán, bajo el empleo de métodos matemáticos para así demostrar su caracter científico. Se promovió con insistencia el desarrollo de metodologías de diseño a partir de sistemas modulares. El enfoque del diseño se orientó a satisfacer necesesidades sociales con un alto grado de funcionalidad práctica o técnica, de donde se origina la doctrina “la forma sigue a la función”. Sin embargo, las funciones de los signos o las funciones comunicativas de los productos no se perfilaban aún.

El sistema de enseñaza de la Escuela Superior de Diseño fue modelo para las escuelas de diseño en Alemania y en diversos paises como Francia, India, Mexico, Chile y Brasil. El método de proyectación desarrollado en esta escuela se uso y se continúa empleando en grandes empresas e industrias en todo el mundo. Un claro ejemplo se observa en los productos elaborados por la Braun AG.

Sacapuntas diseñado por Raymond Loewy, 1933.

Aplicación de formas aerodinámicas a toda clase

de objetos estáticos y en movimiento.

En Estados Unidos, en cambio, durante la década de los años 30’, se diseñaba a partir del styling (estilización del objeto), cuyo objetivo era embellecer los productos y generar imágenes de marca para que fuesen más atractivos para los consumidores. El styling es definido por Gillo Dorfles como “una apropiada y cauta cosmética del producto, hecha de tal manera que se le dé a éste un nuevo atractivo, que confiera nueva elegancia al objeto, prescindiendo de toda razón de necesidad técnica y funcional propiamente dicha”. Elstyling nace una vez finalizada la primera Guerra Mundial en 1918, cuando Estados Unidos vive una expansión en la producción debido al proceso de mecanización y automatización, que apoyada por publicidad orientada a destacar la forma visual en vez de las características técnicas, contribuyo a incrementar el consumo de enormes cantidades de productos. Esta manera de diseñar se consolidó tras la crisis económica del año 1929 donde las empresas e industrias se vieron en la obligación de recurrir a sistemas más eficaces de llamar la atención y hacer deseables o atractivos los productos, o bien, ir directamente a la quiebra. Fue así, que diseñadores como Raymond Leowy, Norman Bel Geddes y Orlo Hellerdesarrollaron el styling.

Esta forma de diseñar no nace simplemente de la transformación de la envolvente del objeto, sino de la exaltación de la función de éste, es decir, lo que simboliza. Un ejemplo claro de la exaltación de la simbolización de un objeto lo vemos en el diseño que Raimond Leowy desarrollo en la Locomotora a vapor K45(1936), a la que dotó de una forma de bala para resaltar la sensación de velocidad. Los diseñadores de esta época consideraron como parte de su trabajo hacer productos irresistibles, intentando proyectar en ellos los deseos subliminales de los usuarios con el fin de estimular su compra. Las líneas aerodinámicas se transformaron en símbolo de la modernidad y del progreso, junto con generar la ilusión de un futuro mejor. Sin embargo, las formas aerodinámicas fueron utilizadas de manera indiscriminada en diversos objetos y espacios que no tenían la necesidad de connotar velocidad, como sacapuntas o engrapadoras, que más que nada a través de su forma simbolizaban objetos de la modernidad. Debido a esto surgieron críticas por parte de otros diseñadores estadounidenses, como Henry Dreyfuss, quien planteaba la proyección del objeto desde el interior al exterior, pues la pura intervención de las formas externas carecía de utilidad práctica, e insistía en el trabajo del diseñador junto al ingeniero.

A mediados de los años sesenta, se produce una crisis al diseño. La crítica por el funcionalismo se agudiza principalmente en la arquitectura y el urbanismo, donde algunos de estos principios fueron mal aplicados. En esta época, tanto en estudios como en artículos (Alexander Mitscherlich, Theodor W. Adorno, Heide Berndt, Alfred Lorenzer, Klaus Horny Gorsen), se critica al funcionalismo por crear entornos construidos en serie, llegando a ser caracterizados de opresores y violadores de la psique humana. Abraham Moles en su Carta Magna del funcionalismo (1968) plantéa que éste debía concebirse de forma aún más rígida, al ver estas críticas como amenazas de una sociedad opulenta. De esta crisis surgiría el pluralismo en el uso de teorías y metodologías para diseñar y, por ende la actual busqueda de nuevas y variadas orientaciones.

Ettore Sottsass, estantería “Calton” (Memphis), 1981.

Las economías habían superado la devastación de la segunda guerra mundial. Surgen en esa época nuevos consumidores orientados a la busqueda de diversión. La estética del pop que privilegiaba lo desechable y lo temporal conduce a un cambio en los diseñadores, muchos de los cuales se rinden a modas pasajeras y al mercado.

A finales de los 70’ y principios de los 80’, el diseñador toma conciencia de su profesión. Mientras los arquitectos discutían la validez de un estilo, los diseñadores pensaban en la crisis del petróleo, el costo de los plásticos y el interés de la sociedad por el medioambiente. El diseño se independiza de la arquitectura y retoma su función social y su relación con la industria. Este hecho se verífica por primera vez en la exposición del grupo Memphis organizada en Milán en 1981. La primera muestra de diseño de muebles y accesorios que no contaba con el apoyo de la arquitectura. El impacto que tuvo esta muestra a nivel internacional en los diseñadores dio origen al Nuevo Diseño. Este movimiento no se orientó a las exigencias de la producción en serie, ni a la satisfacción de las necesidades humanas sino, más bien, a la expresión del espíritu de la época. Diseñaron muebles individuales y creativos, piezas únicas que se fabrican en series limitadas, casi artesanalmente, orientadas a un alto sector adquisitivo. La línea de separación entre el arte y el diseño desapareció, llegando a exponer muchos de estos objetos en galerías como si fuesen obras de arte. El lema “la forma sigue a la función” fue reemplazado por “la forma sigue a la diversión”, ahora todo era posible.

Paralelamente, el desarrollo de la microelectrónica permitió fabricar piezas tan reducidas que ya no se hacía necesario que el exterior de los objetos reflejase lo que había en su interior, ni que la forma siguiera a la función. Los microprocesadores no necesitan mostrar la técnica de construcción. La miniaturización tiende a la desmaterialización de los productos, a la preponderancia de las superficies y a que la relación entre el hombre y el objeto sea lo más importante. Las pantallas y los controles a distancia se transforman en muchos casos en la interface entre el producto y el hombre, de modo que el diseño debe contemplar no solo una buena relación entre ambos a nivel ergonómico, sino que también señalar a través de los signos el correcto uso de éstos. Se hace más importante el lenguaje que se utiliza en los productos para comunicar y relacionarse con el hombre. Se abre paso al campo semiótico del producto. El chip cambia el contexto simbólico tradicional de los productos.

El desarrollo de la semiótica y la hermenéutica han hecho su aporte en la metodología del diseño. En semiotica, Jean Baudrillard, a quién se le considera el padre de la teoría semiótica del diseño, aplicó el método semiótico estructuralista al análisis de lo cotidiano. A través de la investigación del lenguaje de los objetos determinó que todas las cosas que rodean al hombre hablan de su propietario, sus valores, deseos y esperanzas (citado por Bernhard Bürdek en “Diseño, história, teoría y práctica del diseño industrial”) En la hermenéutica, Edmund Husserl desarrolla un metodo fenomenológico para entender el ambiente vital y del hombre de manera directa y mediante una interpretación global de su entorno, como de su vida cotidiana. Este modo de entender y explicar las experiencias cotidianas a partir de un horizonte histórico determinado y limitado espacial y temporalmente se aplica como metodo de conocimiento en diseño.

En la actualidad el diseño abarca, cada día más, los diversos aspectos de la vida cotidiana y del entorno. En las últimas decadas el concepto diseño se ha extendido rápidamente, llegando a ser usado por políticos, críticos de arte, periodistas y empresarios que se han apropiado de él. Sin embargo, esta extensión del concepto y aplicación a diversas áreas del hacer del ser, a dado paso a una nueva reflexión en torno a su orientación y metodología. El diseño es una disciplina que no sólo se dedica a la configuración de formas. Al diseñar, por ejemplo, la imagen corporativa de una empresa, ya no se piensa en un lifting facial o cambio de imagen. Se persigue que la filosofía de la empresa y lo que enuncia o promete, este en concordancia con su imagen gráfica, los productos y servicios que ofrece, el atuendo de sus empleados e incluso el comportamiento y forma de hablar de éstos.

El diseño ya no se proyecta a partir de la función del objeto y de su desarrollo industrial, ni de la significación de éste, sino más bien, de nuevas relaciones que se establecen entre el ser, el objeto y su entorno inmediato. Relaciones que surgen a partir del lenguaje y de la evolución de la tecnología.

aportado por: BRENDA ESMERALDA FLORES FLORES

TEORÍA DEL DISEÑO

La Teoría del diseño es una denominación que se le da a todo el conocimiento permanente que se piensa asistir al diseño de varios productos nuevos. Esta información ha sido reunida en su mayor parte por un gran número de proyectos de investigación. Correspondiendo a los enfoques usuales de investigación, la información está esencialmente de dos tipos:

Conocimiento nomotético: reglas generales que se han recolectado de varios productos diferentes. A este grupo pertenecen:
regulaciones gubernamentales etc.

Conocimiento ideográfico que realmente se refiere sólo a productos individuales pero que no obstante se puede generalizar a otros productos también:
ejemplares, productos meritorios producidos más temprano, o sus detalles, estándares para productos completos etc.

Lo cierto, es que la mayoría interpreta que el diseño es hacer que nuestras páginas sean visualmente bonitas, pero con eso no basta, nosotros como diseñadores debemos transmitir una idea y un sentimiento al navegante, y que todo esto se produzca de una manera clara y concisa. Para transmitir estos sentimientos deberemos usar correctamente las técnicas siguientes:

• Tipografía 
• Teoría del color 
• Espaciado y composición 

TIPOGRAFÍA

Empezaremos hablando básicamente sobre la tipografía en internet, la cual tiene sus propias reglas, aunque como en el diseño gráfico la regla principal es que todo sea legible, es algo así como la regla de oro de las tipografías (si no se puede leer no mola).

A la hora de trabajar con nuestros textos podemos separar en dos grupos, títulos y cuerpos de texto o mensajes.

Para los primeros necesitaremos letras generalmente gruesas y detalladas. Es muy recomendable que las tipografías escogidas para los títulos concuerden perfectamente con el diseño de la página y también tendremos que tratar su color con mucho cuidado, ya que el color en los títulos expresa mucho, pero esto lo veremos más adelante

Para los segundos deberemos usar tipografías "Lisas" (Arial, Verdana), nunca con "Serifa" (Times). Aquí tenéis una imagen de ejemplo: 

Las tipografías Lisas son mucho más legibles en un monitor porque al ser más rectas, son más factibles de dibujar por el monitor, en cambio las tipografías con Serifa tienen muchos más detalles y a tamaños pequeños se hace poco legible en una pantalla, que no en papel. 

También debido a la tecnología Flash principalmente (si es que somos raritos) surgieron las Pixel Fonts, unas tipografías especialmente diseñadas para que éstas se viesen bien a un determinado punto, ya que "caían" justo en el píxel del monitor. Éstas fuentes han tenido mucho éxito y son muy recomendables usarlas en Flash, ya que hacen los textos muy legibles y no se ven borrosas las letras.

TEORÍA DEL COLOR

Aunque parezca mentira, los colores de los objetos nos transmiten emociones muy fuertes, pese a que, generalmente no nos demos cuenta de ello. Los hospitales carecen de color rojo, pues éste es asociado a la sangre, y en las oficinas suele predominar el blanco que denota orden y pulcritud (en las BOFH Room predomina el color verde placa base).

¿Acaso os imagináis trabajando en unas oficinas de color rojo? Sería demasiado estresante, pues es un color de un fuerte impacto visual y que tiene mucha fuerza y energía. Esto son claros ejemplos de como en la actualidad estamos usando los colores para nuestro beneficio, para trabajar mejor, para estar más tranquilos, etc.

Algunas de las cosas más importantes que debemos saber del color son:

El color y su expansión 

Armonía y contraste 

Significado del color 

El color y su expansión

Probablemente alguna vez os hayáis preguntado por qué la mayoría de las páginas web que hay en internet tienen un fondo claro y no negro. De hecho, las páginas que tienen un fondo negro suelen quedar peor. Esto se debe al carácter expansivo de los colores, no se verá igual un texto sobre fondo negro que blanco:

El texto sobre fondo blanco es más legible y por lo tanto el lector debe forzar menos la vista, sintiéndose agradecido. Esto también lo podemos ver en colores claros y oscuros, no es algo que suceda únicamente en blanco y negro. 

En estos dos dibujos parece que el de la izquierda tienda a expandirse y a hacerse más grande, todo lo contrario que en el de la derecha. Eso es debido a que el color oscuro comprime la figura del medio. Estas técnicas las usaremos cuando queramos que una parte de nuestra web quede cerrada o abierta.

Armonía y contraste

Armonía: Crear una gama de colores para nuestra web que este compuesta por colores de la misma gama o tono. Por ejemplo, CLab es una web con colores armónicos, ya que usa el mismo color y diferentes tonalidades del mismo.

Contraste: Combinar diferentes colores para crear una gama como, por ejemplo, claros y oscuros, cálidos y fríos, etc. 

Es obvio que en esta imagen cada casilla nos está expresando una idea diferente. 

Significado del color

Esta es una de las cosas que más me apasionan del color, su significado. ¿Pero cómo un color puede significar algo? Pues sí, aunque estos significados varían un poco según las culturas, ya que por tradición es posible que el amarillo signifique mala suerte en algunas partes y en otros no. Ésta es una recopilación de diferentes significados extraídos de algunas páginas web. 

Blanco . 

Se halla en el extremo de la gama de los grises.. Es un color latente por su capacidad de potenciar los otros colores vecinos. El blanco puede expresar paz, soleado, feliz, activo, puro e inocente. El blanco es el fondo universal de la comunicación gráfica. 

Negro . 

Al igual que el blanco, también se encuentra en el extremo de la gama de grises. Es el símbolo del silencio, del misterio y, en ocasiones, puede significar impuro y maligno. Confiere nobleza y elegancia, sobre todo cuando es brillante. 

Gris . 

Simboliza la indecisión y la ausencia de energía, expresa duda y melancolía. 

Los colores metálicos tienen una imagen lustrosa, adoptando las cualidades de los metales que representan. Dan impresión de frialdad metálica, pero también dan sensación de brillantez, lujo, elegancia, por su asociación con los metales preciosos. 

Amarillo 

Es el color más luminoso, más cálido, ardiente y expansivo. Es el color del sol, de la luz y del oro, y como tal es violento, intenso y agudo. Suelen interpretarse como animados, joviales, excitantes, afectivos e impulsivos. No es recomendable usarlo como color principal de nuestra página, pues tiene demasiada fuerza y tiende a cansar al visitante. 

Naranja 

Posee fuerza activa, radiante y expansiva. Tiene un carácter acogedor, cálido, estimulante y una cualidad dinámica muy positiva y energética. 

Rojo . 

Significa la vitalidad, es el color de la sangre, de la pasión, de la fuerza bruta y del fuego. Está ligado al principio de la vida, expresa la sensualidad, la virilidad, la energía; es exultante y agresivo. El rojo es el símbolo de la pasión ardiente y desbordada, de la sexualidad y el erotismo. 

Azul . 

Es el símbolo de la profundidad. Inmaterial y frío, suscita una predisposición favorable. La sensación de placidez que provoca el azul es distinta de la calma o reposo terrestres, propios del verde. Expresa armonía, amistad, fidelidad, serenidad, sosiego... y posee la virtud de crear la ilusión óptica de retroceder. Este color se asocia con el cielo, el mar y el aire. El azul claro puede sugerir optimismo. Cuanto más se clarifica más pierde atracción y se vuelve indiferente y vacío. Cuanto más se oscurece más atrae hacia el infinito. 

Violeta . 

Es el color de la templanza, de la lucidez y de la reflexión. Es místico, melancólico y podría representar también la introversión. En sus tonos más claros se vuelve un poco triste, en los más oscuros representa grandeza. 

Verde . 

Es el color más tranquilo y sedante. Evoca la vegetación, el frescor y la naturaleza. Es el color de la calma indiferente: no transmite alegría, tristeza o pasión. Cuando algo reverdece suscita la esperanza de una vida renovada. 

Marrón . 

Es un color masculino, severo, confortable. Es evocador del ambiente local otoñal y da la impresión de gravedad y equilibrio. Es el color realista, tal vez porque es el color de la tierra que pisamos.

APORTADO POR: JACQUELINE AVILES PEREZ

Minimalismo

Como sabran soy un amante del minimalismo, básicamente a la hora del diseño web, por esto, quiero hablarles tal como hacen en este artículo sobre que se trata esto. Como primer medida debemos traer a la explicación la palabra simplicidad, con la cual muchas veces se suele relacionar al minimalismo. Cabe destacar también que no son sinónimos ni mucho menos.

La prinicipal diferencia entre estos conceptos es que algo simple está dirigido a la masa, donde cualquiera puede entenderlo. Por su parte, el minimalismo, busca ser simple, pero lo es sólo para las personas relacionadas con el ámbito donde se lo aplica (arte, música, diseño, etc.).

En el diseño web el minimalismo es fácil de reconocer pero no tanto de explicar. Básicamente lo que se busca es no sobrecargar el sitio con elementos que no aportan verdaderamente a la funcionalidad del mismo o al objetivo con que fue creado. No significa que poniendo sólo texto en blanco y negro tengamos un diseño minimalista. Va mucho más allá de eso. Como para entenderlo de otra manera:

Minimalismo = Menos desorden = Menos distracción = Más tiempo enfocado en lo importante

Realizar un diseño minimalista requiere además de lo estético una mirada funcional muy grande hacia el sitio que se está realizando. Saber que elementos aportan a la funcionalidad del mismo y cuales no es una tarea complicada, la cual no equivale a suprimir imágenes y enlaces a diestra y siniestra.

Algunas características que comparten los diseños minimalistas son: abundancia de los espacios en blanco, tipografía efectiva, maximizan el efecto de las imágenes, efectivo uso del color, claridad del propósito, eliminación de los elementos extra y enfoque.

El minimalismo combina funcionalidad y estilo, sólo muestra lo que sirve, lo demás lo despoja. Esto para nada tiene que significar que sea algo simple ni mucho menos aburrido. Particularmente lo relaciono con elegancia.

Aportado por: Fajardo Landaverde Lizbeth

                            CONCEPTUALISMO

Conceptualismo, en filosofía, teoría que se encuentra a medio camino entre el nominalismo y el denominado realismo medieval o lógico. El conceptualismo mantiene que aunque los universales (abstracciones o ideas abstractas) no tienen existencia en el mundo externo, existen sin embargo como ideas o conceptos en la mente y que allí implican algo más que meras palabras. Esta teoría está en abierta oposición al nominalismo que defiende que las abstracciones (universales) son simples ruidos guturales sin ninguna materialidad y que sólo los objetos individuales y concretos tienen existencia real. El conceptualismo fue adoptado por el filósofo escolástico francés Pedro Abelardo.

CONSEPTUALISMO

Conceptualismo, en filosófica, teoría que se encuentra a medio camino entre el nominalismo y el denominado realismo medieval o lógico. El conceptualismo mantiene que aunque los universales (abstracciones o ideas abstractas) no tienen existencia en el mundo externo, existen sin embargo como ideas o conceptos en la mente y que allí implican algo más que meras palabras. Esta teoría está en abierta oposición al nominalismo que defiende que las abstracciones universales son simples ruidos guturales sin ninguna materialidad y que sólo los objetos individuales y concretos tienen existencia real. El conceptualismo fue adoptado por el filósofo escolástico francés Pedro Alberto

Se denomina Conceptualismo a un movimiento artístico surgido a finales de los años sesenta directamente derivado de los planteamientos de Marcel Duchamp, y en particular de las aplicaciones de sus "ready-mades"- cuyos adherentes rechazan el arte como artículo de lujo, permanente, portátil y vendible, proponiendo en cambio un tipo de arte en el que cuenta primordialmente la idea o el concepto que respalda sus realizaciones. Para los artistas conceptuales prima el sentido de las obras sobre su forma plástica y el pensamiento implícito en ellas sobre la experiencia sensual.

El Conceptualismo es un movimiento amplio y abierto a las más variadas manifestaciones creativas, entre las que se incluyen: propuestas escritas, fotografías, videos, documentos, mapas, planos, trabajos de tierra, ensamblajes, ambientaciones y actuaciones con el propio cuerpo del artista. Aparte de Duchamp fueron sus más sobresalientes precursores Robert Rauschenberg, Ives Klein, Piero Manzoni y Allan Kaprow, y entre los más reconocidos exponentes de este arte mental figuran: Joseph Kosuth, Dougias Huebler, Vito Acconci, Walter de María, Gilbert and George, Mel Bochner, Jan Dibbets, Richard Long y Naum Yung Paik.

En Colombia el Conceptualísmo se manifiesta desde finales de la década del sesenta siendo sus primeros cultores Juan Camilo Uribe, Bernardo Salcedo y Antonio Caro. Durante el transcurso de la siguiente década numerosos artistas adherirían a sus principios algunos por corto tiempo entre quienes se cuentan: Luis Fernando Valencia, Jorge Ortiz, Becky Mayer, Adolfo Bernal, Alicia Barney, Alvaro Herazo, Miguel Angel Rojas, Ramiro Gómez, Sara Modiano, María Rodríguez, Carlos Echeverry, Gilles Charalambos, Pedro Ramos, Inginio Caro, Julian Posada, Lydia Azout, Rosa Navarro, Rosemberg Sandoval y María Evelia Marmolejo.

APORTADO POR: DANIA LETICIA DEL ANGEL ENRIQUEZ

CINETISMO

Arte cinético, cinetismo, "op art" o arte óptico, en líneas generales podemos definirlo como la forma de crear que se basa en el movimiento de los elementos que componen la obra o que se disponen en el espacio de la representación gráfica. Los autores, usando técnicas opticas y de una ejecución de la obra muy estudiada, generan sensaciones de movilidad, para ello usan los conocimientos técnicos como son el juego con luces y sombras, el contraste de colores, el tamaño y proporcionalidad de los objetos, incluso aplican, a sus obras, de pequeños motores dotándolas de movimiento.

Otros Movimientos

La influencia cada vez mayor de los medios de comunicación y el enorme flujo de datos que actualmente llega al país, han permitido a los artistas colombianos mantenerse alerta e informados sobre los principales desarrollos del arte occidental durante los últimos años, razón por la cual sólo el Cinetismo y el Arte Op pueden contarse entre los movimientos originados después de 1950 y sin ningún impacto en la creatividad visual colombiana. El Cinestismo es una corriente interesada primordialmente en el movimiento, pero no en su representación, sino en el movimiento como parte integral de la obra, mientras que el Arte Op es una corriente que explora la falibilidad del ojo, a través de formas abstractas y exactas que se podrían considerar como una derivación del Constructiva.

ESPACIADO Y COMPOSICIÓN 

Llegados a este punto yo suelo recomendar que visiten muchos websites de calidad, y se fijen cómo han montado la web, porqué han utilizado ese color ahí y no otro, cómo han espaciado sus textos, etc... pero aún así hay algunas cosas que suelen ser básicas y veremos aquí.

Deja que tu texto 'respire'

No se si es un término correcto decir que el texto 'respire', pero es la expresión que utilizo cuando quiero que mi web sea legible. En estas dos imágenes de aquí abajo podemos ver como una tiene el texto muy pegado a la imagen y su interlíneado es muy bajo para el tamaño de letra escogido, haciendolo confuso para la lectura. La otra imagen en cambio, se lee perfectamente.

Este es un buen ejemplo de cómo hacer que nuestros textos no se vean compactados. También es importante saber que el espaciado entre líneas suele ser un 20% superior al tamaño de la letra, por ejemplo, para un tamaño de letra de 10 puntos pondremos 12 puntos de interlineado.

Colocando nuestros elementos

La posición de nuestros elementos en la pantalla es uno de los puntos más importantes a la hora de hacer nuestro diseño, pues no es lo mismo colocar una imagen arriba que abajo, con un texto al lado o sin el, que sea una imagen grande o pequeña y así infinidad de detalles que dotarán a nuestra página de personalidad.

Un buen ejemplo de cómo componer una web con imágenes y texto adecuadamente puede ser la página principal de Macromedia la cual usa eficientemente el espacio entre líneas, y posiciona las imágenes por tamaño y relevancia.

En esta captura podemos ver como Macromedia ha utilizado una gran imagen para mostrar un nuevo producto, y luego tiene pequeñas imagenes para embellecer y dotar de detalles las partes con más texto.

Es importante colocar pequeñas imágenes cerca del texto, las cuales tendrán dos funciones Primero que el usuario tenga una información visual sobre lo que va a leer, atrayendo la atención del visitante hacia donde queremos, y segundo, hacer más atractiva la página, pues, todo el mundo se hecha para atrás (normalmente cerrando la página y maldiciendo varias veces) cuando ve una web que es sólo texto. 

Qué nos dejamos en el tintero 

Bueno, pues realmente muchas cosas, pero qué esperabas?? Como ya dije antes el diseño gráfico es algo que tarda muchos años en aprenderse, pero con un poco de esfuerzo podrás realizar bonitas webs en un par de años sin tener ningún tipo de idea en lo referente al diseño. Verás como mientras vas practicando irás mejorando paulatinamente y el día menos pensado visitarás una antigua web tuya con el consiguiente susto y pensarás

APORTADO POR: HELEN VELAZQUEZ REYES

Las falsas teorías del diseño

Es común encontrar, sobre todo en el ambiente académico, temas, textos, artículos «de diseño »en donde éste brilla por su ausencia. Se habla de todo menos de diseño. Extensos textos con una larga lista de referencias, en los que el autor elige de forma creativa algún párrafo estratégico, rehace una incisión y le practica el injerto. Entonces súbitamente el escrito se vuelve un texto sobre diseño, en tanto que su autor sigue con la firme pretensión de inscribirse en el repertorio de escritores serios que desde hace varios años han aportado bases teóricas a la disciplina, han reflexionado sobre su desarrollo, o bien, han ordenado y documentado experiencias valiosas. Para lograr este fin, de forma paralela se presenta una serie de argumentos para sostener que la opinión, la investigación o el tema expuesto son parte de la agenda del diseño gráfico. Y en contraposición se minimiza la actividad proyectual llevándola a extremos que describen al diseñador únicamente como alguien capacitado para explicar líneas, formas, figuras, y que inconsecuencia ve al diseño de manera reduccionista y no ha aprendido a dialogar con otras disciplinas. Y por si esto no fuera suficiente, estos experimentados autores tienen la habilidad (soportada en la capacidad de escribir textos sobre textos) de descalificar la actividad de los diseñador es tachándolos de incultos y encasillándolos como operadores con visiones estrechas. Sabida la capacidad de fundamentación que pueden lograr, de manera ventajosa recurren a hacer propias las posturas de otros escritores e insisten en la existencia de posturas paradigmáticas. Para ello los autores adoptan perspectivas teórico-metodológicas propias del análisis del discurso, combinan diferentes materias, tales como la lingüística, la hermenéutica, el análisis del discurso, la gramática, la semiótica, la retórica y la teoría de la enunciación, entre otras, y luego plantean preguntas como « ¿acaso el texto y el conjunto de significados o las imágenes que evocan los textos no son objeto de estudio del diseño?» o « ¿es que los textos no construyen imágenes?»Tan sofisticada argumentación parece más una típica justificación, es decir, un pretexto para forzarla entrada de una investigación al terreno del diseño y así encubrir otras carencias. Una vez que se revisan los textos, se advierte que en ninguna parte se logra la intersección prometida entre el diseño y las otras áreas prolíficamente explicadas. Quedan sin resolverse las promesas. No se presenta ninguna referencia a algún tipo de diseño, por lo tanto la promesa de

Encontrar campo fértil para la investigación en diseño no se cumple. No se concretan puntos de vista que logren enriquecer la disciplina, acreditar su perfil, integrar intereses y dotar de carácter su campo de acción. El diseñador, además de comprender, prefigurar, trabajar con, y explicar, líneas, formas, figuras situación que exhibe al diseño como reduccionista, está capacitado para explicar otros fenómenos. Independientemente de su condición social e ideológica, el diseñador deberá atenderle diseño y los temas de diseño. No se debe perder de vista que cuando se habla de enseñar a los diseñadores a dialogar con otras disciplinas, el diseño debe seguir siendo el eje articulador.

APORTADO POR: OVIEDO DEL ANGEL MOISES.